Кукольный театр

драматический театр  оперный театр   балет  пантомима  оперетта  мюзикл  театр танца  театр песни  театр теней  детский театр  театр зверей  театр пародии  кукольный театр  театр марионеток  театр одного актёра  народный театр  античный театр
Театр кукол пережил тысячелетия, десятки исторических укладов.
Первые упоминания о кукольном искусстве связаны с праздненствами в Египте.
Женщины ходили из одной деревни в другую, а в руках несли статуэтки, сантиметров тридцати — сорока высотой, и приводили их в движение с помощью специальных веревочек. Впереди шел музыкант. Такие куклы встречаются и в Сирии, и на территории государств Латинской Америки.
В Древней Греции из драгоценных металлов и драгоценных пород дерева делали огромные фигуры, которые назывались автоматами. Они приводились в движение только в самые торжественные моменты религиозного действа. Эти автоматы трудно назвать театром в полном смысле этого слова, но элемент театрализации в этих представлениях все-таки существовал.
  Очень давно, еще в древней Греции, людям пришло в голову изобразить мир с помощью ящика, в котором нет передней стенки и который перегорожен пополам горизонтальной стенкой. Потом сделали небольших кукол и поставили их внизу — под перегородкой. А сверху поселили кукол, которые изображали богов. Для того, чтобы куклы двигались, к ним приделали стержни, а в дне ящика сделали прорези. Это искусство получило название Вифлеемский ящик. А потом придумали сценки, целые пьесы — и получился театр.
Артисты-кукольники бродили с ящиками по странам Европы. Везде они показывали одну и ту же историю рождения Христа и историю царя Ирода. Христос находился в верхнем, божественному отделении ящика, а внизу разыгрывались сцены.
Отголоски этого театра живут и в наше время: украинский вертеп, польская шопка, белорусская батлейка и румынский Вифлеем. Кое-где кукольники с помощью этих «домиков» показывает спектакли и сегодня.
Во многих странах существуют очень веские доказательства того, что это представление оказало влияние на развитие культуры.
Из поколения в поколением, век за веком «игра куклой» вошла не только в религиозную, магическую, но и художественную сферу жизни человека. Человек не только познает природу кукольного театра, способы его воздействия на людей, но и сознательно использует или отвергает эти свойства.
В средние века родился народный театр кукол. Его артистам на площади незачем было доказывать своим зрителям, что их герои обладают особой магической силой, что они «живые». Кукольники не посчитали для себя недопустимым выход на публику, где они демонстрировали свое мастерство.
В течении многих веков театр кукол развивается рядом с драматическим театром. В последнее тысячелетие сформировались именно те черты театра кукол, которые мы ценим сейчас и которые делают его самостоятельным живым искусством.
У всех народов, знавших театр кукол, так или иначе связанным с магией или религиозным культом, существуют литературные записи хотя бы нескольких пьес, описания кукол, устройства сцены и спектакля.
В театре кукол с древних времен существовали определенные образы, которые жили столетиями, а рядом появлялись мелкие, «сиюминутные» герои. Так было в античные времена, в средневековье, так есть и в наше время. Наряду с героями басен, легенд и сказок, персонажами фольклора и древней литературы действовали и злободневные «популярные фигуры», «портретные» куклы. Возникали национальные кукольные герои. Они создавались веками и оставались бессмертными.
Кукольники играли очень много народных сказок, притч и легенд, ведь это было близко зрителям.

Очень тяжело приходилось театру кукол в древние времена. Легенды донесли до нас немало историй китайских кукольников, которых императоры безжалостно наказывали за «дьявольское искусство». Тяжело пришлось и кукольникам в Европе. Особенно ужасно к ним относилась инквизиция. Начиная с тринадцатого века театр кукол стали запрещать. В семнадцатом веке в Швейцарии во время выступления был арестован и предан пыткам знаменитый парижский марионеточник Бриоше — народный кукольник, которого обвинили в колдовстве, — ведь он заставлял своих гроев «говорить, спорить и двигаться», как было сказано в обвинительном заключении. Инквизиция считала это страшнейшим злом.
Кукольников отправляли в тюрьмы, сжигали на костре. Убивали кукольников, но оставались куклы. А если уничтожали кукол, то оставалась память о них, оставались традиции.
Вплоть до девятнадцатого века в Европейском театре кукол разыгрывались пьесы — обозрения о власть имущих, чиновниках, церкви. Это были спектакли с участием разного рода петрушечных кукол.
У каждого народа есть умельцы, которые снова и снова делали кукол и играли ими. Куклы переходили из поколения в поколение. Так не терялась эта живая ниточка преемственности.
Театр выжил и оказался бессмертным. Его бессмертие держалось не только любовью зрителей, но и созданными, полюбившимися героями. За столько веков театр кукол не просто не исчез, но и окреп, занял прочную позицию, как одно из направлений театра. Первые профессиональные театры кукол появились в XX веке.В городке Плзень в Чехословакии появился театр «Спейбла и Гурвинека» — один из самых популярных в мире. На лондонском телевидении появился маленький смешной ослик, начинающий детские передачи. Его авторами были знаменитые английские кукольники Енн Хогтарт и Джон Басл. Ослика назвали Маффин. Он родился в театре кукол. Маффин — марионетка. Во всем мире стал известен этот герой.
В России первый профессиональный театр появился после Октябрьской революции в 1917г. — Санкт-Петербургский государственный театр марионеток, одним из основателей которого стал Е. С. Деммени. Все, что сделано Деммени для развития этого искусства, переоценить трудно — когда он начинал свою деятельность, теория кукольного театра только зарождалась.
В тридцатые — сороковые годы в европейском театре кукол произошли большие изменения. Родился новый театр в городе Москва — Центральный театр кукол под руководством С.В.Образцова.
В настоящее время в разных странах мира живут разные театры, традиционные и современные.У каждого народа свои правила и свои привычки.Театров кукол становится с каждым годом в мире все больше и больше.
  Марионетки
"Марионетка - разновидность театральной куклы, которую кукловод приводит в движение при помощи нитей". Именно эти слова находишь, когда смотришь в словарь, надеясь найти значение слова "марионетка". Но что же скрывается за этими неживыми словами? С древнейших времен в языках многих народов мира существовало сравнение жизни человека с марионеткой, которую дергают за ниточку. Театр кукол издавна волновал людей и своей странной похожестью на живых существ, и тем, что постоянно давал повод к философским рассуждениям: слишком очевиден был пример — управляющий и управляемый.Тема марионетки, нитей, которые приводят ее в движение, и, наконец, тема человеческой воли, которая руководит этим движением, постоянны не только в античной, но и в средневековой философии. Рядом с человеком всегда существовал предмет, который он наделял особым отношением: был ли этот предмет символом бога, олицетворял ли он тайну природы, или просто изображал человека. Свое название марионетки получили в средние века от наименования фигурок божьей матери (Мапоп, Мапопейе), изображения которой в виде маленьких деревянных статуэток продавались в храмах во время богослужения. Первые упоминания о кукольном искусстве связаны с празднествами в Египте. Женщины ходили из деревни в деревню в сопровождении флейтиста, несли в руках небольшие статуэтки, сантиметров 30-40 высотой, и приводили их в движение с помощью специальных веревочек. (Такие куклы встречаются и в Сирии, и на территории государств Латинской Америки). Спектакли, посвященные жизни богов, разыгрывались в Египте на движущихся колесницах. Зрители располагались по обе стороны дороги, и каждая последующая сцена спектакля показывалась на идущей вслед колеснице (этот принцип был сохранен впоследствии в английском средневековом театре и получил название "педжент"). Роли богов в таком театре исполнялись только с помощью кукол. Их носили на руках и приводили в движение руками. Исполнение роли бога человек взять на себя не мог. В Древней Греции из драгоценных металлов и драгоценных пород дерева делали огромные фигуры, которые назывались автоматами. Они приводились в движение только в самые торжественные моменты религиозного действа. Эти автоматы трудно назвать театром в полном смысле этого слова, но элемент театрализации в этих представлениях все-таки существовал. Греческая традиция укрепляется и неизмеримо расширяется в Древнем Риме. Здесь устраиваются шествия с огромными куклами. Карикатурные механические изображения потешали толпу или наводили на нее страх. Кроме того, в каждом доме - и в Древней Греции, и в античном Риме - обязательно были свои куклы, а иногда даже коллекции. Они составляли часть убранства комнат или украшения стола. Самой "кукольной" страной Европы считается Италия. История итальянских кукольных представлений более-менее отчетливо вырисовывается с XVI века. Ее развитие совпало с развитием оперы, пения "бель канто", балета на пуантах и драматического театра, основанного на авторской драматургии и заученных репликах. Марионетки копировали представления оперных певцов, балетных танцовщиц, драматических артистов. К XVII веку марионетки стали расставаться с бродячей жизнью, у них появились свои маленькие театрики, сцены которых в точности повторяли сцены знаменитых театров того времени. Куклы на нитках исполняли популярные оперы, сочетая их по правилам оперных спектаклей с балетами. Они играли длинные пятиактные пьесы. И хотя у традиционных итальянских марионеток не было большого числа ниток и движения их были не слишком разнообразны, кукловоды достигали высочайшей точности в имитации человеческого жеста.

Самой "кукольной" страной Европы считается Италия. История итальянских кукольных представлений более-менее отчетливо вырисовывается с XVI века. Ее развитие совпало с развитием оперы, пения "бель канто", балета на пуантах и драматического театра, основанного на авторской драматургии и заученных репликах. Марионетки копировали представления оперных певцов, балетных танцовщиц, драматических артистов. К XVII веку марионетки стали расставаться с бродячей жизнью, у них появились свои маленькие театрики, сцены которых в точности повторяли сцены знаменитых театров того времени. Куклы на нитках исполняли популярные оперы, сочетая их по правилам оперных спектаклей с балетами. Они играли длинные пятиактные пьесы. И хотя у традиционных итальянских марионеток не было большого числа ниток и движения их были не слишком разнообразны, кукловоды достигали высочайшей точности в имитации человеческого жеста. Среди свидетельств, относящихся к XVII веку, встречаются лишь названия опер и пьес, исполнявшихся в марионеточных театрах. Более конкретные описания появляются в XVIII веке. Так, из книги историка венецианского театра Гроппо "Общие сведения о театрах Венеции", изданной в 1766 году, мы узнаем о том, что один богатый человек построил в 1746 году в павильоне около своего особняка деревянный марионеточный театрик, воспроизводивший в миниатюре прославленный в Европе венецианский театр Сен-Джованни Грисостомо. Этот театр давал спектакли в течение двух лет, собирая всю знать Венеции. Великолепное описание марионеточных театров Италии составил Стендаль. В 1817 году он путешествовал по этой стране, вел дневники и, вернувшись, опубликовал их под названием "Рим. Неаполь. Флоренция". В каждом из этих городов он побывал на спектаклях марионеток, которые неизменно вызывали у него восхищение. На протяжении всего XIX века марионетки сохраняли симпатии итальянской публики. В печати постоянно мелькали слова восторга, высказанные в их адрес. Неоднократно упоминался миланский театр марионеток "Филандо". Зрители поражались способности кукольных балерин выполнять все фиоритуры танцовщиц знаменитого театра Ла Скала. Описания XIX века обнаруживают характерную черту итальянского марионеточного театра: хотя марионетки и копировали спектакли оперных и драматических театров, они разрешали себе и некоторые отступления - в виде "своих" марионеточных пьес со "своими" героями. И еще одна особенность театра итальянских (и европейских вообще) марионеток: в их спектаклях существовало обязательное разделение на актеров, управляющих куклами, и актеров, говорящих или поющих за них. Эта черта сохранилась до наших дней, современные спектакли идут под запись музыки и актерских голосов. Театры марионеток Франции мало отличались от итальянских. Они также были очень популярны и даже соперничали в XVII-XVIII веках с театрами живых актеров. Самые знаменитые из них выступали на парижских ярмарках. Кроме того, народные кукольники-профессионалы давали спектакли во французских аристократических гостиницах. Но в XIX веке кукольный театр входит в домашнюю жизнь французской городской семьи, спектакли начинают показывать любители.
Театр марионеток получил большое распространение во многих европейских странах, в Бельгии, Англии, Чехии, Германии, а благодаря английским кукольникам - и в Новом Свете. В Чехии, кстати, существует до тысячи постоянных кукольных театров, не считая театров при школах и кочующих.
В России первое знакомство с марионеточными театрами относится к началу царствования Анны Иоанновны (1730-1740), когда немецкие "показыватели" неизвестных доселе кукол посетили обе столицы. Поначалу этих кукол называли "выпускными". Но во второй половине XVIII века в русский язык окончательно входит слово "марионетка". Однако, до середины XIX века марионеточные спектакли дают только иностранцы. Они везут в Россию своих кукол, свой репертуар, состоявший в XVIII веке, в основном, из разговорных пьес. Они снимают для своих выступлений удобные помещения. В Петербурге в 1749 году был даже построен специальный "комедиантский амбар" для марионеточных представлений. Однако, существовало одно неудобство: далеко не вся публика понимала иностранные языки. Нужно было сокращать и даже вовсе отказываться от текста в пьесах. Это и привело к замене разговорных пьес дивертисментом из пантомимических номеров - трюковых, цирковых, жанровых, бытовых сценок, в которых можно легко обойтись без текста. Кроме того, сложная техника марионеточного театра требовала работы нескольких кукловодов. Возить с собой большую труппу было невыгодно, поэтому иностранцы на месте нанимали двух-трех мальчиков, доверяя им второстепенные роли и обучая кукловождению. Позднее эти помощники, освоив премудрости марионеточного театра, научившись управлять маленькими артистами с помощью нитей, расставались со своими иностранными учителями и начинали работать самостоятельно. К концу XIX века представления марионеточного театра можно бьшо увидеть уже на народных гуляньях, на любой ярмарке не только в Москве и Петербурге, но и в других больших городах России. Разговорные пьесы практически полностью исчезли из репертуара русских марионеток. Но, постоянно выступая, народные кукольники великолепно овладели сложной техникой марионеточного театра. Постоянных помещений у них не было, они покупали место на ярмарке или гулянье и ставили там временный парусиновый балаган. Кроме того, в России, как и за рубежом, большое распространение получили домашние кукольные театры. Именно из них в начале XX века стали одна за другой появляться любительские студии. Однако, довести работу до конца, показать спектакль широкой публике долгое время никому не удавалось. Ближе всех к созданию профессионального театра кукол подошли Ю.Слонимская и Ефимовы. Премьера их спектакля состоялась в феврале 1916 года. Однако, жизнь театра оказалась недолгой: Ю.Слонимская и некоторые студийцы эмигрировали из России, и театр распался. После революции марионетки почти совсем ушли из практики русских кукольников - они предпочитали играть с перчаточными и тростевыми куклами. Однако, теперь интерес к марионетке вновь возрождается, кукольники снова пытаются овладеть искусством управления самой сложной, но такой чудесной куклой.
  Петрушки
Эй, белобрысый из первого ряда!
Ты не узнал меня с первого взгляда?
Думаешь: что это за игрушка?
А я – Петрушка!
Остёр колпачок.
Ещё острей язычок.
Ох, и посмеюсь я сейчас над вами,
Да так, что и вы расхохочетесь сами!

Перчаточные куклы имеют многовековую историю. Первый самый древний сюжет старинного театра — Сказание о богах. Так как изображать богов решались не все актеры, оказалось проще заменить людей куклами, не рискуя навлечь на себя гнев богов. «Еще в Древнем Египте существовали передвижные кукольные театры, которые разъезжали по деревням со спектаклем на тему любви Исиды и Осириса. С приходом христианства кукольные мистерии разыгрывались даже в храмах. Последним остатком этого религиозного театра были рождественские представления, с которыми кукловоды-»вертепники«ходили по русским деревням. Как и живые актеры, куклы быстро перешли от религиозных тем к житейским. Для этого перчаточные куклы с их грубоватыми, резкими движениями подходили куда лучше утонченных марионеток. В Древнем Риме толпа развлекалась скабрезными шутками куклы Моккуса. В средние века разнообразные гистрионы и скоморохи всегда носили с собой кукол, отпуская их устами рискованные остроты в адрес власть имущих. А в случае чего говорили: «Это ведь не я, а кукла». И их оправдывали — настолько крепка была вера в свое, отдельное бытие кукол. Все кукольные герои были веселы, задорны и носили красные шутовские колпаки, отчего первого из них итальянцы прозвали Пульчинелла («петушок»). От него пошли французский Полишинель, английский Панч («пинок»), голландский Пиккельхерринг («копченая селедка»). Да и русский Петрушка, или полностью Петр Петрович Уксусов, наверное, тоже. Пульчинелла — итальянская перчаточная кукла, которая полюбилась зрителям благодаря образу шута. Пульчинелла так понравился итальянцам, что они захотели видеть его на всех карнавалах, народных праздненствах, во всех балаганах. В театре вести куклу Пульчинеллы разрешалось только самым опытным актерам, которые могли весело вести игру, кто был смел и легко придумывал новые шутки. Куклы так быстро прижились в народе, что играть их роли стали даже драматические актеры. В семнадцатом веке из Комедии дель арте вырос замечательный театр, для которого сочиняли пьесы лучшие драматурги Европы. В восемнадцатом веке, когда драматурги перестали подражать ему, Пульчинелла стал еще веселее, а его шуточки носили уже сатирический характер. Итальянцы считают Пульчинеллу своим национальным героем и любят его. Эта кукла и сегодня удобно устраивается на ширме, ведет представление, не очень мягко отзывается о людских недостатках. Французкой куклой такого типа является Полишинель. Французы, увидев выходки Пульчинеллы, решили и себе создать нечто подобное. Они вырезали из дерева голову с крючковатым носом, сделали кукле веселый костюмчик. У Полишинеля были огромные глаза и розовые щеки. Кукла могла выглядеть и веселой, и озорной, и негодующей или сердитой — все зависело от того, как повернуть куклу. В этом был свой секрет, и французы очень тщательно оберегали его. Французы и теперь очень любят вспоминать Полишинеля. Он стал для них очень близким героем.
В начале девятнадцатого века у Полишинеля появился собрат. В городе Лионе придумали новую куклу и назвали ее Гиньолем. У Гиньоля появилась целая семья. Гиньоль говорил на том же диалекте, что и жители Лиона, был одет не в абстрактно-карнавальный костюм, а в костюм, какие носили лионцы. Писатели с удовольствием стали писать пьесы для нового, но уже полюбившегося героя. Гиньоля полюбила вся Франция, а через несколько десятилетий он был знаменитым во всем мире. Всякое представление с куклами называется в этой стране «Гиньолем». Впрочем, он и сам никуда не исчез. Каждое воскресенье, если погода хорошая, в двенадцать часов дня в скверике можно увидеть веселую расписную ширму с пестрыми занавесочками. А когда они откроются, услышать звонкий и задорный голос Гиньоля.
Немецким представителем такого рода кукол является Касперле, а английским — Панч.
«Петрушка — кличка куклы балаганной, русского шута, потешника, остряка в красном кафтане и в красном колпаке; зовут Петрушкой также весь шутовской, кукольный вертеп» (В.Даль).
Шарманка Петрушки известны с XVII в. Русские кукольники использовали марионеток (театр кукол на нитках) и петрушек (перчаточных кукол). До XIX в. предпочтение отдавалось Петрушке, к концу века — марионеткам, т.к. петрушечники объединились с шарманщиками. Ширма петрушечника состояла из трех рам, скрепленных скобами и затянутых ситцем. Она ставилась прямо на землю и скрывала кукольника. Шарманка собирала зрителей, а за ширмой актер через пищик (свисток) начинал общаться с публикой. Позже, со смехом и репризой, выбегал он сам, в красном колпаке и с длинным носом. Шарманщик иногда становился партнером Петрушки: из-за пищика речь была не всегда внятной, и он повторял фразы Петрушки, вел диалог. Комедия с Петрушкой разыгрывалась на ярмарках и в балаганах.
Из некоторых воспоминаний и дневников 1840-х годов следует, что у Петрушки было полное имя — его называли Петром Ивановичем Уксусовым или Ванькой Рататуем.
Существовали основные сюжеты: лечение Петрушки, обучение солдатской службе, сцена с невестой, покупка лошади и испытание ее.
Сюжеты передавались от актера к актеру, из уст в уста. Ни у одного персонажа русского театра не было популярности, равной Петрушке. Обычно представление начиналось со следующего сюжета: Петрушка решил купить лошадь, музыкант зовет цыгана-барышника. Петрушка долго осматривал лошадь и долго торговался с цыганом. Потом Петрушке надоедал торг, и вместо денег он долго бил цыгана по спине, после чего тот убегал. Петрушка пытался сесть на лошадь, та сбрасывала его под хохот зрителей. Это могло продолжаться до тех пор, пока народ не отсмеется. Наконец лошадь убегала, оставляя Петрушку лежащим замертво. Приходил доктор и расспрашивал Петрушку о его болезнях. Выяснялось, что у того все болит. Между Доктором и Петрушкой происходила драка, в конце которой Петрушка сильно бил врага дубинкой по голове. «Какой же ты доктор, — кричал Петрушка, — коли спрашиваешь, где болит? Зачем ты учился? Сам должен знать, где болит!» Появлялся квартальный. — «Ты зачем убил доктора?» Он отвечал: «Затем, что плохо свою науку знает». После допроса Петрушка бьет дубиной квартального по голове и убивает его. Прибегала рычащая собака. Петрушка безуспешно просил помощи у зрителей и музыканта, после чего заигрывал с собакой, обещая кормить ее кошачьим мясом. Собака хватала его за нос и уволакивала, а Петрушка кричал: — «Ой, пропала моя головушка с колпачком и кисточкой!» Музыка смолкала, что означало конец представления. Если зрителям нравилось, то они не отпускали актеров, аплодировали, бросали деньги, требуя продолжения. Тогда играли маленькую сценку Петрушкина свадьба. Петрушке приводили невесту, он осматривал ее так, как осматривают лошадиные стати. Невеста ему нравилась, ждать свадьбы он не хотел и начинал упрашивать ее «пожертвовать собой». Со сцены, где невеста «жертвует собой», женщины уходили и уводили с собой детей.
По некоторым сведениям, пользовалась большим успехом еще одна сценка, в которой присутствовало духовное лицо. Ни в один из записанных текстов она не попала, скорее всего, ее убрала цензура. Были сцены, в которых Петрушка не участвовал. Это были танцы и жонглирование мячами и палками. Разрушаться Комедия о Петрушке начинает в начале 20 в. Петрушечники стали появляться на детских праздниках и новогодних елках, текст сцен менялся, теряя свою остроту. Разговаривал он вежливо, а «свадьба» видоизменялась, превратившись в танец с невестой. Исчезла грубая простонародная речь, а вместе с ней и индивидуальность хулигана-балагура, на которого сбегался и стар и млад. До сих пор кукольный театр использует перчаточные куклы, а за ширмой театра Петрушка уступил место другим героям.


Предлагаем вам ознакомиться со следующими Internet-сайтами, посвященными театру кукол:

Материал подготовила Ирина Гусева

 Internet-проект учеников 7"А" класса
школы №1936 г.Москвы
классный руководитель - Кабоскина Ирина Константиновна
администратор проекта - Кононов Иван
Internet-поддержка - Кононова С.И.

Проект основан в марте 2006 года
Хостинг от uCoz